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周红艺、王琥钧“对画”展艺术座谈
发布时间:2013-06-18 点击次数:2376 所属栏目:名家访谈 信息来源:大观艺术网

 周红艺王琥钧“对画”展艺术座谈

                        周红艺/王琥军:大观艺术网    录音整理:圣度艺术馆

费秉勋:
      我是第一次来这里,是红艺给我发的邀请,说有他的一个活动邀请我参加。我爱和年轻人交朋友,感受年轻人身上的气息。千万不敢说“你看着老汉,老了老了,又不懂画,还要参加者活动,还要在这发言。”很多人以为我已经超脱了,和庙里的和尚一样,其实我是一个比较爱热闹的人,在家里呆不住。我今年已经74岁了,我认为从我现在到将来我死,不想和社会隔离的时间太长。如果说人老了呆在家里,外界的一切也不知道,看着是活着其实也和死了没有多大分别,那才是挺悲哀的。今天大家允许我不就这些画来谈问题,主要是我还没来得及仔细看所有的画,还没有心得,回头我把这两位画家地东西看完以后,大家也熟了,如果需要我再来说说,今天我来主要是想听听大家谈。

      红艺,我先来说两句。红艺是我的学生,琥钧我也认识有一段时间了。他们的画我也都看过,画里都有他们所说的各自的东西。这是他们多少年来的实践才能得出的东西,很难得。因为画画人在一起,有这么一句话,“画画人不谈画”,因为画面就已经说的很清楚了,说也没有用,又不是文学,也不是说明书,全凭悟性,尤其是中国画。中国画有很多的涵养,为啥说画家到老了才有那么一点成就,那是因为中国画有很多的内涵的东西,年轻人还理解的不够透,包括我自己。因为都在一个学习的过程里,出发点不一样,对生活的认知不一样,理解的不一样,这都是绘画人一个人对生活的一种感知。作为这一次展览可能是红艺和琥钧对这一阶段生活的一种感知,通过画面再现给大家,这也是他们这几年的在绘画上的心血。作为红艺的老师,虽然没有给琥钧当过老师,但看着他们选择绘画这门职业,这么多年还一直坚持在这条道路上,充分体现出画画人的一种状态,心里是非常欣慰和喜悦的。作为年轻人,绘画里的影子很多,这影子指的是他所欣赏和喜欢的古人的、大师的、或者是老师的东西。在他们二位的这些作品当中也存在这样的问题,因为生活中有很多的感知,感知就是自我,自我就是用不同的语言表现出不同的声音。那么这种嫁接有没有?嫁接就是例如我的老师,在生活中感知很多、很深,那我能不能从他的语言中去借用一些在融合我对生活的感知,然后放在我的画面当中。这起码在艺术规律、艺术形式、艺术美感所散发出的这种气场,也就是精神,我们一直在谈绘画当中的精神。那么你的绘画当中有没有你自己的精神,有没有当代你对生活的感知。你是从什么地方来的,你是从心中发出来的,从自然中来的,还是从读书中读出来的?这种内涵的,我觉得咱们画画的人要有一种真心的、真切的一种膜拜式的或者是一种对这种东西的一种敬畏。我觉得,画画是啥?我认为你赋予它多少,他就给你回报多少,你对生活是啥样子的感知,他就给你呈现出的是啥样的感知。画画并不是一个游戏,也不是去卖两个钱,钱是需要的,但绝不是目的。因为钱是一种个人价值、个人魅力的体现,但绘画更重要的是你对社会的一种责任,站在一个民族的角度上来讲,站得高,你的画的气场才大,你才能承担更大的责任。我过去也认为画画就是玩呢,但现在看来不是,因为你的画挂在墙上,你就在给别人说着,展示着。啥叫责任?你的画给别人传递着你对社会、生活的感知,这就是社会责任。我认为画画人在画面中只要不污染人家环境,挂到那,能让别人读到你的追求,你对生活的感知和你要传递的信息,我认为作为一个画者就成功了。大的气象不敢说,因为画画人要成为一个大的画家那是太不容易了。那里面所包含的方方面面,可能还包含一点偏执,甚至可能是“神经病”,他这种执着的疯狂性,可能才能成就那么一点点作为,才能说在中国绘画这个领域里面有那么一点点高度。所以我认为绘画是一件很难的事情。既然我们都谈到绘画是一面镜子,是一种潜意识精神的反射,那你玩能把画玩好吗?潜意识里又很多内涵,有哲学、有文学,很多的知识面,还有你对人生的感悟包含在里面。所以我一直在思考,在琢磨。我一直在思考一句话就是“有话好好说”,在画面中,你就把你想说的话说清楚就行了,不要整的神乎其神的。像我这种性格,就追求那种“有话好好说”,说清就行了。咱没有那么好的诗意,没有那样的词赋,装的好像和真的一样。当然人家真正在做这些事情的人,可以利用这些资源,把很多好的东西融进其中,但是作为我是没有的,那么我就追求简单一些,说清楚说明白就行。所以我觉得画画是比较难,是很不容易的事情。
      大家通过这种展览的方式,这种生活的方式在一起交流交流,尤其是一些师生之间的交流,碰见一些老画家、老学者、老专家在一起的交流一下,把自己绘画的事情在一起絮叨一下,把绘画的感悟在一起说说。我觉得这一种形式在一起可以说一些真话,聊聊真想法,把自己心里面潜在的认识和理解说一说这是非常好的。
      咱们举个例子,就说继承吧,对传统的继承,对传统美德、精神的继承,这是很好的。那还有现实主义,五四运动以后西方文化冲到中国以后,咱们开始画素描,画色彩,这些东西融合到咱们教学等各个领域当中去。那么现实主义在那个时期就是一种创新,因为在清末那个时候都是给达官贵人画一些画,都是一些情趣、情怀的续述。那么到了五四运动时期出现了一些画现实题材的一些东西,在文化里也是一种革新,所以现实主义也出来了不少人才。目前就这两大站块,一个就是现实主义,也就是说清你我他,把画家身上的情绪品质附着到别人身上,形成一种形象再反射出来。这是一种,那还有一种就是胸中咏歌的是外师造化,中得心源。这是中国传统绘画的一种理念。搜尽奇峰打草稿,通过看过以后,胸中得到一种悟化,再挥洒到纸面上,形成一种笔墨的跳跃和笔墨的飞跃的时候,让你眼头一亮,有自己的一种情怀在里边。其实中国画就这两大块,至于你往哪一块走,画画的人这是自己的事情,每个人都有自己的局限性,大家都在各自的这个领域中悟道,都需要潜心,乱喊乱叫有什么用,还是潜下心来认真去感知去悟道,做的好比说的好更重要。

      我谈一点我的感受吧。第一点是绘画不论怎么说,就是要有一份诚心,对艺术有一份诚心。如果说丹青绘画是一个你十分相爱的人,那么你要诚心去对待她、爱她。而不是要通过她从中要去赚到什么,要真诚。既然踏上这条道路,既然已经爱上她,你要无怨无悔。我一直将黄秋园先生说得一段话作为座右铭“一个艺术家要有甘老艺林的诚心”。这个“老”就是牺牲、奉献的意思,对待艺术要有一份甘愿牺牲,甘愿奉献的诚心。在这种状态下,即使以后遇见什么挫折或者什么不顺你都会平静的对待。这样经过多少年以后你自然就会有所收获有所成就。第二点就是作为一个艺术家、画家你的艺术责任,谈到责任,我认为首先作为艺术家你要把真、善、美带给社会,让大众看到后有一种美的享受和向上的激励,这才能称之为一个合格的艺术家。因为你肩上担负有这样的责任。今天来到这里和大家见面我感到很高兴,首先感到了一种纯正。针对艺术的这种真诚的交流,不是说谁的水平高低,谁的名气大小,而只是就画论画,谈感受、谈艺术。你对他付出得多,你自然就得到的多;付出的少自然就得到的少,这就是绘画。交流的目的就是帮助自己寻找到正确的艺术道路,每个人都走在自己的艺术道路上,难免有弯路,通过这种很真诚的交流和探讨能使自己在自己的艺术道路上有所启发。我认识琥钧有一段时间了,这次看到他的这么多作品感到很欣慰,在他的画面中我看到了一种儒雅的文人之气。很纯净、很静气、格调高雅,丝毫没有现在社会上的那种商业气息,我感到非常高兴。红艺我是今天第一次见,它的画面让我眼前一亮,首先他和琥钧的画面虽然不同,但是传递出的气息是相通的。从他们二位的作品中能够深深的感受到中国文化带给人的那种优雅和魅力。这一点让我非常感动,这至少说明一个问题,他们二位的作品深深的打动了我。这也是这些作品成功的地方。从这几点上我就感觉到在这个地方有一种非常浓厚的学术氛围,这是非常不错的,也希望能够继续坚持下去。在这里大家即使因为学术问题争得面红耳赤,那也是很痛快的,很高兴的事情。这样长此下去一定会形成很大的影响。

刘 星:
      我今天也是来学习来了,也是想来多听听大家讲。我最近也常常感到一种苦闷,好像感觉自己现在变得不懂画画了,因为当今艺术界的这种风云变幻真是太快了,这些艺术思潮变化之快、风流人物轮流登场的变化之快、艺术风格方向的变化之快,让感到有些适应不了了。我也常常在反问自己,是不是心态老了,或者说是不懂绘画了。刚才完整的听了刘丹老师的讲话,讲得很深刻。之前我也听过在其它场合听过他的一些发言,但都没有这一次讲得这么深入,这么诚恳。我觉得艺术首先是个人的事情,是跟个人的心性有关的。它里面包含有个人对艺术的心性之真、虔诚之真,这是非常重要的。这次来看到琥钧和红艺的作品,他们二位我都是已经认得多年了,他们这么多年的这种坚持和一直在探索的状态是非常感动我的。他们二位这几年的变化也是非常的快,非常的大。
     和红艺接触的稍微多一些,这几年值得肯定的是红艺在艺术的追求上、想法上、着眼点上逐渐的清晰了,思想逐渐的成熟了。艺术家思想的成熟时非常重要的,现在社会上更多的是思想上的不成熟,而他在这些年让人看到的是愈来愈清晰艺术思想和艺术方向。伴随着他艺术思想的成熟也表现在作品上了,首先他追求的这种境界、这种书卷之气、文人之气,这是中国文化非常传统、非常根本的东西。一幅作品能不能看,首先是你作品散发出的气息。我一般看画有一个习惯,第一眼看到画面散发出的如果是一种浊气,一种市侩之气,那么就算你名气再大、技法再好,我都不看。黄宾虹先生当年谈到艺术的品鉴的时候就说到,首先要看它所散发出的气息,气息入眼之后再看笔墨。红艺这几年的作品中所散发出的这种清气和格调是非常值得肯定的,这是很难得的。
      琥钧这两年接触不如红艺那么多,去年咸阳举办了一个花鸟画九人展,出版了一本画集。当时我给他们作的序,那时候看到了琥钧的一批画,首先让我感到很惊讶,尤其是在咸阳那个地方能有这样一位画家,不管是在展览上还是在画册当中都显得鹤立鸡群。我在当时对他的评价的时候谈到了关于中国画的“品”,很多画家在画了一辈子画,但始终不能被艺术圈所接受,我想最重要的就是这个“品”的问题。琥钧所追求的这种逸笔草草的这种“品”是值得肯定的,而且对传统的这种研习与继承也是非常值得称赞的。
     他们二位还有一个最值得肯定的是他们在潜心绘画的同时对传统书法的重视是让人钦佩的。钻研绘画和研习书法这个问题是我这么多年来一直在强调和追求的,在他们身上我看到了对这两件事情的重视。这些年来也有很多朋友批评我说,为什么把书法在绘画当中的重要性抬得这么高,好像是老用自己的这种观点去衡量别人。其实我没有别的意思,这只是我个人的观点,是我觉得书法对于中国传统绘画来说是很重要的,那至于有多少人能和我产生共鸣那是另外一回事情。在这两位身上我看到他们对书法的重视我感到很高兴。中国传统绘画的命根子是书法、是修养、是学识的境界,如果书法的境界不能达到,那么中国画中很多的问题你是体会不出的。因为接触多了我了解红艺除了在绘画方面地造诣很好,在文学方面的的功底也很强;而琥钧在除了绘画之外其他方面也令我很欣赏。前一段时间我看了一篇琥钧给洪涛写的一篇文章,令我对他在文学上的修养,对文字的追求也是刮目相看。他不但对画追求的比较高,对目前所追求的路子也把握的比较准,文笔非常好,以及在理论修养上也是非常不错的,起码说明他们都是善于读书的人,善于学习的人,这些从他们的文章中都能看出来,体会出来。我觉得现在咱们画家在绘画、书法、读书、做学问、个人修养以及对生活的体验这些方面哪一点都不能放松。如果对生活的体验不能深下去,即使你的作品画的再好,恐怕也只能流于空泛,它属于感受上的东西,没有感受哪能反映出来真的东西。对生活理解的高度和文人画所追求的高度其实并不矛盾,有的朋友说写生过多会不会造成作品过于写生化。其实不是这样子的,赵望云先生晚年,一边写生一边创作,我觉得晚年的作品非常出神入化,非常超脱,超越象外,从作品中能感受到他对生活感受的深度,体验的深度。我们当前的画坛,出现从画谱到画谱的现象是相当普遍的,这对于中国画来说是不利的。随着照相的技术深入到画家圈子以后,画家们深入到生活的深度大打折扣,现在很多画家出去以后就是用相机“咔咔”一拍,这就是深入生活了。过去赵望云先生、石鲁先生他们就是拿着毛笔在深入生活,我想拿着毛笔和照相机这对于画家来说好像是完全不同的两个概念。毛笔写生有一个感受再通过毛笔转换成笔墨语言的过程,有一个“中得心源”的主观的处理过程。

     今天来到这里,见到了我一直很关注的石朴老师,我很高兴。再结合今天沙龙的两位主人,琥钧和红艺,使我想到了两个词“大器晚成”、“天才早熟”。我把这两个词解释一下,石朴先生将为咱陕西乃至全国 “隐者大成”,为咱这个时代树立一个典范。非常令人感动,不仅仅是他的作品,还有他几十年的大隐。琥钧和红艺虽然还年轻,但也马上四十了。在他们前面这些年的艺术探索走到现在的这种艺术风格,也属于隐者。从他们两位的作品中你能同时感受到笔下的那种孤绝和清寂之气,这是明显能感觉到的。尽管风格不同,一个空灵,一个随意潇洒,但是都能让你感觉到他们在艺术的道路上的那份静守,在参悟、在修习,还能感觉到他们的全面性。绘画、书法、诗词、文学、古典等等这一系列综合的中国传统文人画家具备的这种素质。他们一直在坚守,一直在修行。在这种条件下又遇到了圣度艺术馆,又给与他们提供了一个平台交流的机会。而且作为圣度艺术馆一切入就能关注到隐者,关注到潜心修行的这些画家,这太难得了。恰恰今天又来了石朴先生,大器晚成的典范,隐者的典范。
     “才子早熟”,是才子就一定会早熟,关键看你是不是才子。但是咱们的书画界又忌讳早熟,它也没有办法早熟,它是一个漫长的历练过程。他们二位是标准的“才子早熟”,这是先天的,是内心的先天的感悟,是共性的,从古至今才子都是有共性的。但后劲如何,这还需要用几十年去历练,所以“才子早熟”要和“厚积薄发”相结合,和“大器晚成”相结合才能取得更大的收获和成功。但是只要你是才子,只要你能静守、只要你能有一个良好的态度那就必然能成功。有句老话叫“冷酒慢发”,要用时间、用笔墨一点点感受,一点点积累生活最后达到人生的一种大充盈,大充实。
今天他们挂的都是小品,问题肯定是有,但是我能透过小品看到是他们内心那份对待艺术的真。在这个浮躁的现状下,在这个正是玩的年龄,能那样安静地坐在画案前潜心修习,这是需要多么大的定力,这是老天在造就他们。

马 良:
      首先我还是想说两句感谢,感谢圣度,在现在这样的一个环境下,圣度的着眼点是需要勇气的,这次参展的这些画家都是没有啥大名头的。能把着眼点放在这些人身上我首先是表示感谢。绘画确实是寂寞之道、清贫之道,尤其现在这个社会上乱人飞道,诱惑太多,再有定力的人也时常受到干扰。看到二位的作品首先让我感到了一种对待艺术的那份执着,对待绘画的那一份真心的爱。而且他们二位选择的都是一条需要耐得住寂寞,安心静守,潜心研习的道路,这让我发自内心的感到敬佩。每个人都想成为大家,但能不能成,这我认为需要先去做,能不能成那要看你的付出与努力。我认为绘画首先是要先悦己,能不能悦人,那要看你的修养、学识等一些列因素所决定。悦己,要让自己高兴,那你就得爱它,一个人如果终身都爱这样一件事情,那我觉得都是很了不起了。所以我对所有从事寂寞之道、清贫之道的画家都表示至高的敬意。

刘 瑜:
      应红艺之约来观摩琥钧和红艺的展览,是抱着学习的态度来的。毕业十多年了,红艺是我一直非常关注和钦佩的画家,一直非常刻苦、非常的勤奋,在艺术上从没有放松自己。刚才把二位的作品整体观摩了一下,发现他们的作品里有一种静气,这是非常难得的。这也是现在做学问需要必备的一个因素,没有这个静气,就很难谈得上做学问。在现在这个环境下每个人都有他自己的感受和状态,如果不努力就好比把牛赶到半坡了不上就势必要掉下去。所以有一句话与二位画家共勉,“再接再励,继续努力,向更高的山峰前进”。这场展览对于我来说确实触动很大,现在的展览看得很多,但是像这种具有很强的学术的气息,可以敞开来谈各自绘画的这种沙龙式展览还是很少的,我也是第一次参与。希望以后能有更多的机会来探讨绘画和探讨艺术。

何俊峰:
      现在外面画展太多,看不过来。但圣度的画展我是基本上每期都会参与,因为在这里可以看到使我感动的作品,虽然都是小品,但真正是做到了小作品大气象。在第一期画展王洪涛那场展览上我认识了琥钧,通过你给洪涛写的文章,再看到你的画,让我记忆深刻。红艺的画是我第一次看到,刚才仔细将每一幅作品都看了一遍,还有你的书中你写的文章。两个人的东西都具有很强的学院派的痕迹,但都没有学院派那种程式化的东西,也没有被那种东西束缚住。画面给人都是非常安静,感觉都非常有定力,在作品中没有那种燥的气息。我想很燥的那些东西也进入不到圣度的这个展厅里面,虽然展厅不大,但在美院也好、画院也好都已经产生了很大的反响,还有《圣度》这本书,在外界的影响已经非常之大了。希望两位老师能够在自己今后的作品中继续保持这种很纯粹的艺术的东西,那么将来必有所成。

南阳子:
      我和红艺认识有一段时间了,谈他的作品我想到了两个词“神思”与“卧游”,在这个基础上谈一谈周红艺的创作。红艺和我都是74年生人,属虎。他在这几年创作,其实是非常理性,这就是说一个画家在创作他的作品的时候他是有他自己的坐标,这个坐标其实非常重要。如果用这个坐标作为标准来衡量在从事绘画行业的其他的画家,那么有很多画家是无法在传统与创作中找到自己的坐标的。陆俨少先生说过一句话“饮其中国山水画要吃奶,要吃正奶,第一口奶能不能吃到正奶,这很重要”。这是一个创作者学习传统,与古人进行神交的过程当中必须寻找,找到一种气血的东西,拿来为我所用。在供氧的过程中,我们学习传统,犹如婴儿在吃奶。把奶水吃到肚子里转化成自己的力量。红艺前期的绘画创作状态是一个冷的状态,是一个理性的状态。我们有一些画家为什么跌入到野狐小道,是因为在创作之前没有理清自己思想上的坐标,坐错了位置。如果我们坐在阳光里,坐在正大的殿堂里,我们所吸收的信息是不一样的。红艺的这种冷,是清醒,他很明白我的身体里到底需要什么。我要从传统里寻找与我相匹配的真正的中国传统水墨艺术的血脉来为我的创作供氧。这一点他很清醒。南北朝时期《山水画序》的作者宗炳,宗炳说中国山水画创作就是卧游之作,卧游之作有一个前提思想,就是首先我们作为肉体、作为生命的个体,我们要去在生活当中面对大山大水,你的情感,也就是个人微观世界在大世界在大山大水世界里得到了陶冶,陶冶之后将这些种种的感受,这种感受还不只是对山水肤浅的认识,是人在天地之间获取浩然正气的时候,认识到生命之短暂而自然之永恒。所以要把这样的精神和感受转化到自己的骨血当中然后化为山水。我认为山水诞生的背景,作为艺术独立的一个门类,是在这种情感背景下诞生的。我们试图通过这种山水画创作,通过艺术来求不朽之人生,因为肉体很快就消亡了。那么必须有“神思”,一个画家在没有搞清“神思”之前你的神是乱的,见什么神都要拜,你终究不会成为自己。画家一定要去寻找自己心中的神,自己心中的坐标,这样就必须完成一个“神思”的过程。在自己精神世界里你要建立起一个强大的王国,为自己的艺术创作的主题作储备。下来我说说“卧游”。红艺不是那种经常出去写生的画家,那他到底写生了吗,在他的画里到处都有写生。中国画最神奇的地方就是这个过程通过画家的肉体、通过肢体、通过毛笔、通过宣纸、通过水墨等载体把他具像出来以后,我们不知道背后情感的酝酿有多少。有段时间我看他的画,他能把很多干扰他绘画的因素剔除掉,让画面安静下来。这一点在当今画坛是很可贵的。现在的社会处处充满诱惑,充满误导,而他没有受到干扰,这说明他对自己的坐标认知的非常清楚,完成了从神游到卧游的转换。所以红艺绘画中的冷是思考的结果,我还不主张他向热的方向转变,不想变成白灰中的红碳,因为时间还没到,年龄还没到。这是我对红艺作品的一点自己的看法。
     下来我谈谈对琥钧画面的看法,我与琥钧不熟,今天是第一次看到他的作品。来了后做了一点小功课,看了看他的画册,又看了看原作。这里也谈两个关键词,就是“气象”与“格局”。我既然提到这两个词,那就是我认为在今后绘画过程中,琥钧要注意自己绘画中的“气象与格局”,气象要大。我先说你的山水画,画面的气象与格局我认为不够展拓。在画册上有些山水画过于具象,笔墨不够沉稳,或者说你想追求不凡的笔墨,恰恰就以你我两人的年龄阶段来说很难追求那种老僧说家常话的境界,不如我们以幼稚之笔入长远之路。咱们现在是探索的阶段,不要怕咱们的笔法墨法是幼稚的,我们就把它展开,呈现出来。不要急着去追求笔墨之老辣,因为你的年龄、阅历、修养都不支撑这样的笔墨。所以我认为你的山水画应该放弃那些心中痴念的东西,不妨以幼稚的的笔墨来画山水画反而能画出新境来。如果在整个精神世界观里没有给自己拓展出一个气象的话,你无法找到精神的无限放大性而只求笔墨之放大性这是不够的。所以你的画册中的一些作品是将气象与格局画小了。我认为画一滴水远比画一片大海更重要。和琥钧也不认识,第一次见,我只是谈一点我个人的看法,不一定对,希望多包涵。下面我再谈谈我对你花鸟画的的看法,你的花鸟画追求的是一些酣畅淋漓的精神,你的性格适合去放。周红艺冷,而你身上热,你的热恰恰是你擅长的东西。我建议琥钧在笔墨中尝试用一些长锋的东西来表现一些放。但是放的过程中要学会收,理性的收,感性的放和理性的收。这是我对你的一点直观感受。

蔡永生:
      刚才南阳子先生所说的那些话,我有不同看法。他说琥钧的画不能那样子画,我认为不是那样的。人常说法无定法,不管怎么画都是从心底发出的,不要局限于某种状态或者是某种思想的话才能放开,才能画好。气象格局都是由自己的心去定的。我最近在写一本书,名字叫《呼吸》。主要是介绍陕西的几位年轻的画家,在当今这个浮躁的状态下如何把握自己确实是不容易的。看到琥钧的画首先然我感到很静,很雅,这就够了,作为一个年轻画家能够在现在保持这种静就已经很好了。如果它能够坚守下去,继续这样走下去那就一定能够走出一个更大的空间。我就说这么多吧。
阿 愚:今天其实前面几位老师都讲过,支撑中国绘画的两大板块就是书法加绘画,不论红艺、琥钧等我们都是七十年代人,年轻人在一起呆的时间多,彼此相互了解的多一些。这一场展览看过后对我自己有一个启发,就是他们尝试着用自己的语言去阐释着自己的生命状态和对艺术的剖析,这一点是应该肯定的。只要他阐述了、奉献了真、善、美的科学性、技术性和艺术性,我们就没有必要要求他们花其实要这样开而不要那样开。对于一个艺术家来说,他内心有他自己的精神世界。就如同别人想盖一所房子,我问他有啥要求,他说想要一片地,一棵大树、一条小河和一座桥。其实他所说的现实中就没有,他只是理想中的一块地方。他们两人的这场画展其实他们是在努力的阐释着他们内心中的理想状态,这一点应该肯定。再一个,前面几位老师所讲的,其实就是告诉我们一个我们年轻人应该考虑、深思和解决的问题就是方向。向哪走?怎么走?走到哪?所以这次展览和沙龙对我来说很受启发,明确了方向,该向哪走。至于说绘画中的静也好、动也好,其实是行亦禅,坐亦禅,启动无语,心安然。心里静才是真正的静。

王洪涛:
      我少说几句,我和琥钧是同事,在一起工作也已经有快二十年了。对琥钧相对来说比较了解,所以我先谈一下琥钧。我想说的是对于他的画,有什么样的学习背景,才能画出神么样的画。琥钧从美院毕业后进入学院,从事的一直是绘画教学工作,是以花鸟为主。年年我们都带学生出去写生。对于他的状态有几点是我感触比较深的,首先是天资好,这在我们学校当中是大家共识是的。他先天对绘画的那种感觉是很少有的,和别人不太一样。然后他又在学院的这个背景下对传统做了很深的研究,因为在教学当中的缘故,所以他对传统有一个比较好的梳理。这几年他又在这个领域不断地在探索向深里走。在美院上学的时候,他喜欢西方当代的一些东西,对西方绘画艺术关注的很多。他的画走到今天我觉得一点都不奇怪,这也是咱们经常说的“画如其人”吧,他的画基本上就是他本人,就是他心中所想的和所感悟的的东西。当代绘画有好的一点就是为年轻的画家提供了很广阔的天地,每个人都可以尽情的去探索他想要的东西。技法的成熟和技法的熟练程度我认为都不重要,重要的是你对社会和对文化你自己的关注在哪。我认为琥钧的画里有这些东西,这也是我一直比较欣赏他的地方。红艺是我近期才认识的一位朋友,第一次看画就把我吸引住了。我还和阿愚说过,我很想找个时间和红艺单独的聊一下,因为他的画里有很多的东西我很感兴趣。他的画和他的人是相同的,都很静,这一点我认为和琥钧是一样的。他们两人的背景是一样的,职业都是教师。教学之余对绘画都坚持一种探索,不论是从传统入手还是从当代入手,在这个年龄段能把画走到这个状态,这都是让人很佩服的。

高红军:
      我先做个自我介绍,我叫高红军,和红艺、刘瑜都是91级美院国画系的同班同学。其实说实话,谈到红艺我很激动,在上美院之前我一直认为我的画画的很好,但上美院之后才发现不是的,红艺的绘画远远超过我。毕业后我第一次见他是在他结婚时,当时看到他的一批小画确实很震惊,那时他的画就很安静。我曾经给红艺写过一篇文章,名字叫做《在市品水为茗》,意思就是身在闹市能将一杯水品出茶的味道。后来我就经常去他家,和他探讨绘画上的问题,红艺对画的认识,尤其是对传统绘画特别是宋画的那种痴迷和敬畏那真是让人感动和吃惊。不论是范宽还是郭熙,每谈一次我对红艺就有一次新的认识。他能走到今天那是一点一点研修出来的结果。他的这一批展出的画虽然小,但气象很大。咱们经常说意在笔先,红艺的每一幅画让我看到的不只是这些,更让我看到了他对每一幅作品所付出的情感。看似平静其实是很奔放的。我再谈谈琥钧,认识琥钧是上一次在无盖堂,见到琥钧的画,第一次见琥钧让我感到他很像一个人,就是徐渭徐文长,尤其是气质。能感受到他的内心和红艺一样都是很丰富很热烈的,对艺术都是充满激情的。不然这个画面不会是这个样子的,貌似孤寂,骨子里充满了激情。绘画的画面的水平高低其实不重要,重要的是你能不能通过画面传递出你真实的情感。他的每一幅画都能让我感受到他丰富的内心情感,这是最能打动我的。在精神世界他类似一个殉道者,坚守和坚持着他的这种情感,通过画面真实的表现出来,这是难能可贵的。

理 洵:
      我和红艺认识时间稍微长一点,琥钧今天是第一次见。今天应邀前来,也是外行看画,但是对于审美,它又不分内外。谈一点自己的感受吧。今天来到这里首先能感受到的是一种古意,再一个能感受到的是一种亲切,这是两人作品共同散发出的气息。从琥钧的画面中感受到的是一种萧散之气,画面的张力比较强一些。红艺的作品给人感觉是在法度上比较讲究一些,很具有穿透力。先从红艺谈起,我认为一个成功的艺术家他必须经历这两个方面,一个就是他对传统的继承,第二个就是个体内心孤独的历练。如果这两个方面都没有经历那他不可能成为一个优秀的艺术家。另外我谈一点我个人想法,这可能也是现在绘画界或者说也是很多画家都面临的一个问题,就是现代元素吸入的问题,例如现在大家看到的山水和过去人们看到的已经发生了变化,山上里的电线杆,路上跑的汽车,在画家的画面里如何呈现。作为一个画家就是要艺术的呈现和反映生活,那这些如何呈现?对于二位,如何解决这个问题也是必须要考虑的。我们的画不能一味游走在古人的世界里,如何和当代接轨,作为艺术家也是必须考虑和不可回避的。另外,今天展出的都是二位的一些小的作品,在格局上,我认为在条件许可的前提下,作为画家还是要创作一些大的作品,要在大的作品里去突破自己对笔墨对画面整体的控制力。尤其是花鸟画家,大的画面的控制和历练是必不可少的。
姜晓文:今天能来到这里,认识这么多朋友、老师,我感到非常高兴。看到琥钧和红艺的画,让我受益匪浅,又听到刚才诸位老师的发言和点评,收获良多。刚才在来的路上还和马老师在聊,现在很多什么院长、什么主席、什么大画家等等画出很多让人很不敢恭维的画,也敢拿出来展览,这也是人家的过人之处。现在圣度做这样的展览,关注这样的画家,这是圣度的过人之处。琥钧的画我认真的看过了两遍,从心里感到佩服,他的笔墨,他的画法以及他所选择的路子都让人很佩服,这注定是一条孤寂之路,是一条坚守之路。红艺呢我先是在网上和博客中了解的,后来才见的面,当时就很奇怪,在西安画坛中还有这样画风的画家,这在长安这样的画坛中很少有。如果说琥钧像电影里的徐文长,那红艺就像昆曲里面的小生,很清秀很俊雅的感觉。红艺的优点我就不多讲了,只补充一点就是他对一个画家的综合修养很注重,文章、书法、古琴、茶艺等等,很有才气。从他身上我学到了很多东西,包括每幅作品的落款、作品的起名等都非常讲究和耐人寻味。他的画面中没有中国传统文人画里面那种牢骚气,或者烦躁郁闷、发泄之类的东西。他的每一张画都让人感天朗气清,很阳光很健康、非常明朗。感觉他内心很清透,没有一点阴暗的东西。
       南阳子:我再补充一点,就是在书画作品装裱上琥钧的作品如果能用卡纸装裱可能效果会更好一些。像红艺的装裱我比较认同,不是说我和红艺认识我就夸红艺,不是的。咱们初次见面,我就对你的画提出这么多意见,请你不要在意,这只是我个人感觉。
郑 锴:这种装裱方式,是为了这次展览的需要,为了能从形式上将两个人就区分开,这和王老师无关,是策展的需要。
       王琥钧:南阳子老师,你不必多心。你今天提的建议我感觉非常好,我一直在思考,因为从你的观点里我感到了你的真诚,所以我会认真考虑我的问题之所在。
        郑锴:咱们这里要求的就是畅所欲言,就是想通过交流能传递出正确的信息,供各位去思考和审视自己的作品。刚才南阳子老师所说的那些话,从策展人的角度,我觉得很好。他直接指出了琥钧画里面他不认同的地方。他作为一个美术评论家,也写了很多美术评论的文章。发表他个人的看法这是好的,不可能千篇一律。刚才王洪涛老师也讲到了,目前这个社会是一个很开放的有很强包容性的状态,为书画家创作提供了一个非常广阔的环境,作为一个画家或者是艺术家,可以去做各种各样的尝试和探索;我这样去画也许不对,但我可以去尝试去探索,也许能走出一条新的道路,或者未必能走得下去。我觉得现在的社会环境已经允许你这样去走,那样去尝试。不像过去,你这样走老师或者师傅就明确告诉你这样走是错的,但现在允许你这样去探索。也许探索出一条新路,这都是可能出现的。我前两天到王洪涛老师那去,他从北京带回来很多书,一些高水平策展人策划的一些展览的书,我仔细看了看,发现很多东西我理解不了。对于咱们站在西安目前这个平台上,很多东西理解不了。但是后来王老师给我讲了一些他的感受,但你转换一种思路,变换一个角度去看它,也许就能理解了。后来我尝试着换一种着眼点去看它的时候,我不是把它当做某一件事情而是把它当做对现在文化艺术从新的一个角度审视,有些东西似乎就可以理解了他为什么这样去处理的。可能作为一个艺术家,在他某一个阶段他这样去画带有他对这个阶段的一种思考和一种想法。作为咱们现在的年轻人,基本上都是七十年代上半期的人,我觉得还是要敢于发散性的思考问题,多思考没有错,多尝试也没有错。因为现在这个年龄在艺术上是可以去承受失败的,也可以承受不足的。如果说在这个年龄只能朝某一个方向走,那我认为这个年龄上的优势就不存在了。在这个年龄段是可以去犯错误的,他在这个年龄段上犯了错误,那他在50岁、60岁就不会再犯这样的错误了。相反很多画家在他60多岁了还在不同程度的犯着这样那样的错误,到那个时候你在想往回走就没有那么顺畅了。
       马河声:咱们刚才探讨的有一个话题我认为是无需探讨,我认为刚才理洵说的那个关于电线杆的问题,我认为在艺术这个领域有这样一句话“不看你画什么,只看你怎么画”。文学里也有这样一句话“不管你写什么,只管你怎么写”。这是不需探讨的。艺术欣赏啥,就是欣赏你怎么画,只有在怎么画当中才有自己。无论是花鸟山水,固然有门类的区别,但是我们欣赏的是透过笔墨后面的东西,这是千古不变的。不要说一个电线杆,如果谁能将一个手机画好,有笔墨趣味,有情感的画出来后,只要有审美价值,也是能打动人。
       石 朴:怎么画,是体现了你对一个事物的认识,你的思想和你的艺术主张,还有其所站的角度。你从哪个方向去看待它和去表现它。
       马河声:你比如说在上个世纪五六十年代有一批画家,陆俨少、赵望云、石鲁等他画写生画,那里面还有汽车、吊车、自行车等等。我印象最深的是陆俨少画的一根电线杆。就那一根电线杆把人都吸引了很长时间,那笔墨,那运笔照样能把感情画进去。
       周红艺:笔墨其实在刚才刘丹老师讲的那两大板块,就已经把着都涵盖完了。一个就是现实,一个就是为登山则情满于山的感觉,也就是寄情。今天非常感谢各位能够参加我和琥钧的这场沙龙活动,大家谈的很多东西都是非常真诚和宝贵的,这需要回去好好的吸收和思考。
      周红艺、王琥钧“对画”展艺术座谈尽在大观艺术网:http://daguanw.com
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